quanto vale o filme de Jonathan Glazer? #ÚltimasNotícias #França

Diretor britânico originário da indústria de videoclipes (trabalhou, na década de 1990, para Massive Attack, Nick Cave e Radiohead), Jonathan Glazer é um daqueles cineastas que não é tão prolífico, como Terrence Malick ou um Todd Field, que cada de seus filmes é aguardado na virada. Autor de apenas quatro longas-metragens em quase 25 anos – seu primeiro filme, Besta Sexy, com Ben Kingsley e Ray Winston, foi lançado em 2000 – devemos a ele em particular Aniversário (2004) e outros Sob a pele (2013).

Aniversário ofereceu o que constitui um dos melhores papéis de Nicole Kidman até hoje: o de uma aristocrata de Nova York assombrada por um menino que afirma ser a reencarnação de seu falecido marido. A segunda, com Scarlett Johansson, novamente no papel principal, já iniciava uma virada mais experimental na filmografia de Glazer, mais atmosférica, onde Aniversário ainda não havia renunciado completamente a uma forma cinematográfica mais acadêmica. Com A área de interesse, Glazer leva os controles deslizantes de experimentação ao limite.

Banalidade do mal

Adaptado do romance homônimo de Martin Amis (falecido no mesmo dia em que o filme foi apresentado em Cannes), A área de interesse portanto, registra o cotidiano do SS Rudolph Höss (Christian Friedel), comandante do campo de Auschwitz, e de sua família alemã. Enquanto Höss comete, podemos facilmente imaginar, as piores atrocidades dentro do campo, o filme examina primeiro o cotidiano escandalosamente pacífico de sua esposa Hedwig (Sandra Hüller, definitivamente a atriz mais proeminente desta edição de Cannes com o triunfo deAnatomia de uma queda, é arrepiante), ocupada cuidando de um jardim cuja beleza se choca com o horror carregado ao fundo.

É apenas numa segunda fase que Glazer começa a seguir Höss na tarefa, um zeloso funcionário público obcecado pela produtividade desta assustadora indústria da morte, um agente típico desta banalidade do mal teorizada por Hannah Arendt em torno do caso Eichmann.

No papel, A área de interesse tinha tudo para reacender a eterna disputa pela representação da Shoah no cinema – questão que suscitou a crítica francesa, nomeadamente através dos escritos de Jacques Rivette que, em 1961, se indignou com a viajando fim de cabeça de Gillo Pontecorvo. “Viajar é uma questão de moralidade”como disse Godard, derrubando ele próprio a formulação original de Luc Moullet em O Cadernos de cinemaem 1959: “A moralidade é uma questão de rastrear tiros. »

Há, portanto, muitos filmes que, desde a crítica ao último plano de cabeçaalimentaram esta controvérsia, com ou sem razão, Lista de Schindler (1993) de Steven Spielberg de passagem por par A vida é bela (1997) de Roberto Begnini até a recente cinebiografia sobre Simone Veil dirigida por Olivier Dahan, em 2022.

Terror e fora da câmera

Jonathan Glazer, digamos de imediato, esquiva-se com A área de interesse ou, em qualquer caso, pensa ter encontrado a maneira mais radical de evitar qualquer possibilidade de crítica, relegando o genocídio dos judeus ao mais total fora da tela, sendo a máquina do campo de concentração de Auschwitz então evocada apenas através de uma série de sinais metodicamente dispersos, na maioria das vezes refletido na parte superior de uma moldura sistematicamente recortada pelo horizonte de concreto das paredes do campo.

Este horizonte azul, parasitado pelo que supomos ser o fumo negro que emana dos fornos crematórios, produz então uma dissonância visual – e cognitiva porque é visual (o filme, tal como as personagens que observa, parece “outro lado) – alucinante. Esta é sem dúvida a imagem mais marcante do filme e que, logicamente, se destaca como uma das imagens mais fortes que o cinema contemporâneo tem conseguido produzir.

Além disso, Glazer evoca outros sinais igualmente reveladores, outros lembretes do horror que se desenrola: o arame farpado, a torre de vigia que guarda a entrada do campo ou mesmo o vapor dos comboios que chegam diariamente a Auschwitz. Mas o que fala ainda mais do que a imagem é esse trabalho angustiante sobre o som, ora saturado e enfadonho, ora abafado e distante e repetindo em nossos ouvidos um rugido infernal mais evocativo em si mesmo do que as muitas solicitações visuais que aparecem na tela. .

Felizmente, Glazer toma cuidado para não fazer planos “espetaculares”: e se viajando existe, serve apenas para modelar o movimento de um indivíduo no espaço confinado da casa e do seu jardim. Em suma, é como se os ângulos e movimentos escolhidos por Glazer não tivessem outra função senão quadricular uma “área”, traçar uma espécie de mapa em realidade aumentada, onde nada escaparia aos olhos, exceto aquilo que não podemos ver decentemente, e que ao mesmo tempo escaparia da armadilha do videogame.

Fiel a este programa, A área de interesse não há plano reverso, nem close-up, zoom ou pan, numa recusa sistêmica da gramática clássica da ficção no cinema. Jonathan Glazer, certamente pensando ter integrado esta impossibilidade, tanto moral como estética, de representar o indizível na tela, recusa ao seu filme qualquer acesso à dimensão verdadeiramente espetacular do cinema.

Por outro lado, o cineasta foca-se num filme que é o oposto deste, optando por uma imagem completamente nítida, sem falhas, como uma post-mortem, desprovida de sombras e nuances, cuja resolução parece levada ao extremo. Deliberadamente desconfortável, este dispositivo de “vigilância” é, em última análise, menos um filme de cinema do que uma pura instalação de arte contemporânea.

As falhas do sistema

Se Glazer se apegasse rigorosamente a esse artifício até o fim, o filme poderia realmente ter sido um marco. No entanto, este último não se abstém de produzir efeitos de contraste mais ou menos perceptíveis. Começa, por exemplo, por instalar a escuridão total, pouco a pouco habitada pela perturbadora música de Mica Levi – um prólogo musical ao estilo de 2001: Uma Odisseia no Espaço –, antes de romper com a escuridão abrindo-se para um lago irradiado de luz, onde oficiais nazistas e seus descendentes se banham descuidadamente, ou ainda quando são inseridas clandestinamente essas sequências de câmeras térmicas que ainda dão um microssinal de resistência. Estas sequências por si só revelam a dimensão estética de um filme que se orgulhava da sua total recusa da estética.

Este é novamente o caso durante uma reunião e depois um grupo de altos dignitários nazistas em Oranienbourg, filmado de cima com câmeras fixadas no teto. Quer consideremos ou não essas poucas doses no chuveiro de mau gosto, ecoando inevitavelmente os pensamentos mórbidos de Höss que, como ele mesmo admite, não pensa em outra coisa senão a maneira mais eficaz de abastecer o ambiente, n Essa não é realmente a pergunta. O filme certamente não é “bonito” de assistir, toma cuidado para não ser e até busca provocar a sensação contrária…

Mais A área de interesse não é menos estético por tudo isso e é justamente quando Glazer se aventura fora de casa e de sua montagem inicial que o filme perde a originalidade e atinge um teto de vidro.

Mais uma palavra no aparelho: quando Lázló Nemes fez a aposta O Filho de Saulo (aclamado por Claude Lanzmann em seu lançamento em 2015, um grande elogio dada a relutância do diretor em Shoá no que diz respeito à representação dos campos de extermínio no cinema) para nunca sair do rosto de um preso forçado a trabalhar no inferno de um campo de concentração evocado quase exclusivamente pelo ambiente sonoro e por uma profundidade de campo completamente bloqueada, ele “ainda” fazia cinema, mas não em detrimento da moralidade. Porque, embora cumprindo uma certa ética de representação, o cineasta húngaro não renunciou ao trabalho da forma, nem da emoção, possibilitando a identificação do espectador com a personagem principal.

A área de interesse é, algures, o negativo do filme de Lázló Nemes: neste cenário sobreexposto onde nada escapa à visão das câmaras que nos sentimos colocadas nos mais pequenos recantos da decoração, ligadas continuamente para melhor registar os percursos e provenientes das personagens captadas no seu interior sistema não tão distante dos reality shows, Glazer renuncia absolutamente – em todo caso anuncia renúncia – ao cinema.

O cineasta confina então o seu filme a um objecto contemporâneo, certamente arrepiante, verdadeiramente aterrador, mas cujo esmalte vai aos poucos rachado pelos pequenos toques de um realizador que não soube conter o seu gesto nem como impedir-se de aparecer, como o Nos últimos minutos do longa-metragem, um personagem pode ser trabalhado e prejudicado por uma forma de culpa. Estará o cineasta cometendo, sem perceber, uma falha moral? De qualquer forma, falta de gosto, certamente.

A área de interessede Jonathan Glazer, com Christian Friedel e Sandra Hüller, 1h45, nos cinemas em 31 de janeiro de 2024.