A despedida serena e vital de Dries Van Noten, a gentileza inquieta de Hermès

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Saber quando parar é um grande presente e um privilégio de poucos. É assim em termos criativos, embora também haja medida em excesso, porque só o desperdício negligente equivale a pouca reflexão; é em termos profissionais, porque a consciência de que só se é moderno uma vez na vida e é melhor transpor no auge do que continuar cansadamente até chegar à irrelevância é um sinal de sabedoria. A rodada de pronto-a-vestir masculino terminou em Paris com sinal de que vai parar no tempo.

Seca Van Noten retirou-se de cena pouco mais de trinta anos depois de seu primeiro desfile e quase quarenta anos depois do lançamento da marca que leva seu nome, fundada em 1986. A noite de sábado foi seu centésimo vigésimo nono desfile: uma vez que todos os anteriores , uma mistura de emoção, surpresa, monumentalidade. A ocasião peculiar, porém, não despertou nenhuma nostalgia, nenhum “depois de mim o dilúvio”, nenhuma recapitulação de estilos e signos. Pelo contrário, diz Van Noten, “uma vez que em todos os desfiles de voga o olhar está voltado para a frente”.

Pronto para deixar a direção criativa, mas não a empresa que leva seu nome, onde manterá a função de mentor, Van Noten, 66 anos, trabalha na coleção com seu habitual pragmatismo, sem pompa autocongratulatória, e por isso só ele aprecia a estatura, poderosa e gentil. Apresentada num arrecadação suburbano, numa passarela de folhas prateadas que ofegam a cada passo, a coleção é Dries no seu melhor, ou seja, rabino da cor, da estampa, da forma que envolve, com a aceleração futurista dos materiais metálicos, esmaltes sintéticos, douramento e prateação. O espetáculo se transforma em uma sarau com uma esfera gigante de espelhos, enquanto Dries sai de cena com leveza, de forma criativa e esplendente, sem uma lágrima.

O tirocínio de moderação de Jonathan Anderson para Loewe é de natureza dissemelhante e equivale a grafar um sinal estilístico simples e seguro, vibrante de tensões, puro e de intenção pessoal. Anderson brinca com a graduação das coisas e com os significados que surgem da associação de objetos. O primeiro olhar, ao entrar no show room, é possante: um espaço imenso, vazio, pontilhado de objetos do ror pessoal de Anderson. São móveis e peças de arte – uma foto de Peter Hujar, a cadeira meia-lua de Charles Rennie Mackintosh, um cavalete de Carlo Scarpa – e o livro “Contra a Tradução” de Susan Sontag, mas à intervalo também poderiam manar uma vez que modelos de edifícios, ou o traçado de uma cidade. Vazio pesa tanto quanto pleno. Da mesma forma, a coleção é um contraponto muito tenso de sólidos e vazios, marcado por uma acentuada verticalidade e uma corporeidade esbelta, para expressar o mínimo.

O sabor de Anderson pelos volumes abstratos, pelas formas onduladas está em ação, mas desta vez tudo secou no grafismo dos vestidos pretos e sapatos alongados, dos fatos de treino abertos na anca com cruzamentos mágicos de cintos, dos tops de mãe -correntes de pérolas ou de ouro entrelaçadas, no perfil de camisas que parecem ter sido cortadas com transferidor. Depois há as calças de malha que saltam uma vez que crinolinas, e as penas que, em forma de máscara e apontadas para ordinário, escondem o rosto. Anderson trabalha a repetição de alguns elementos e deixa a mensagem ser uma silhueta, ou seja, um destilado de voga reduzido à núcleo que perdura: a traço. A riqueza da sentença na escolha formal da limitação é impressionante.