Quem sabia o que Taylor Swift última era traria? Ou mesmo uma vez que seria o som? Seria construído a partir do mau humor de “Meia-Noite” ou o povo do “sempre”? O país ou o Pop dos anos 80 de suas últimas regravações? Ou os seus dois antecessores em capote a preto e branco: o pop de vingança de “Reputation” e a literária americana do “folclore”?
“The Tortured Poets Department”, cá sexta-feira, é um liga de todos os itens supra, refletindo a artista que – no auge de seus poderes – passou os últimos anos regravando o trabalho de sua vida e visitando seu material, filtrado através de hinos synth-pop, baladas de término de namoro, considerações provocativas e maduras.
Em momentos, seu 11º álbum parece um efusão de sangue: um expurgo catártico depois um grande dissabor entregue por meio de uma realização vocal ascendente, um verso elegíaco ou produções móveis sintetizadas que enfatizam os poderes da narrativa de Swift.
E há surpresas. O primeiro single e rombo “Fortnight” é “1989” desenvolvido – e apresenta Post Malone. Pode parecer uma combinação engraçada, mas ainda vai demorar: pelo menos desde 2018, os fãs de Swift sabem de seu paixão por “Better Now” de Malone.
O “Departamento de Poetas Torturados” de Taylor Swift está cá.
“But Daddy I Love Him” é o retorno do country Taylor, em alguns aspectos – composições de contos de fadas, um refrão completo da filarmónica, um riff de violão corajoso e uma inversão lírica atrevida: “Mas papai, eu o senhor / estou tendo o dele. baby / Não, não sou / Mas vocês deveriam ver seus rostos. (Babies aparecem em “Florida!!!” e na tira bônus “The Manuscript” também.)
A fictícia “Fresh Out The Slammer” começa com um tom de guitarra psicológico muito bonito que desaparece sob a produção soprada pelo vento; a novidade vaga próximo “My Boy Only Breaks His Favorite Toys” traz de volta “Barbie”: “Eu senti mais quando brincamos de faz de conta do que com todos os Kens / Porque ele me tirou da caixa.”
Mesmo antes Florence Welch dá início ao seu verso em “Florida!!!”, a repetição explosiva do refrão do título da música atinge poderoso o nostálgico indie rock dos anos 2010, talvez uma versão Swiftiana do universo mútuo de “Illinois” de Sufjan Stevens.
Uma vez que diz outro título, “Até logo, Londres”, de veste.
Seria um desserviço ler as canções de Swift uma vez que puramente diarísticas, mas essa tira – a quinta deste álbum, que seus fãs normalmente consideram o trecho mais devastador de cada álbum – evoca paralelos impressionantes com seu relacionamento com um visível ator inglês que ela dividir com em 2023. Coloque-o ao lado de uma ode de paixão sonolenta uma vez que “A Alquimia”, com suas referências a “touchdown” e incisão de alguém “do time” e muito… a arte imita a vida.
Esta imagem da capote divulgada pela Republic Records mostra “The Tortured Poets Department” de Taylor Swift. (Registros da República via AP)
A vingança ainda é um tema esparso. Mas onde os hinos de represália em “Midnights” eram vingativos, em “The Tortured Poets Department”, há novas complexidades: “Who’s Afraid of Little Old Me?” combina a sede músico de “evermore” e “folklore” – e adiciona um inferior retumbante na ponte – com sensibilidades arrancadas da obstinada “Reputation”. Mas cá, Swift principalmente troca a vitimização por autoconfiança, com verrugas e tudo.
“Quem tem pavor de mim?” ela canta. “Você deveria estar”, ela responde.
E, no entanto, “The Smallest Man Who Ever Lived” pode ser sua música mais mordaz até agora: “Você não está à profundeza de um varão”, ela canta no topo de um piano propulsor. “Vou olvidar você, mas nunca vou perdoar”, ela descreve seu intuito, provavelmente o mesmo “golden retriever tatuado”, uma descrição jejuna, mencionada na faixa-título.
Os erros são poucos, encontrados em outras letras e canções piegas uma vez que “Down Bad” e “Guilty as Sin?” que vacilam quando colocados ao lado dos momentos pop mais meditativos do álbum.
Em outro lugar, Swift mostra seu melodrama e melancolia uma vez que um espelho – ela está chorando na liceu, não conte a ela sobre “triste”, ela pode chorar? Ela morreu por dentro, ela acha que você pode querer ela morta; ela acha que pode simplesmente morrer. Ela ouve as vozes que lhe dizem “Luzes, câmera, vadia, sorriso / Mesmo quando você quer morrer”, enquanto canta “I Can Do It with a Broken Heart”, uma música sobre suas próprias performances – no palco e uma vez que uma figura pública.
“Estou infeliz e ninguém sabe!” ela ri no final da música antes de suspirar: “Tente vir buscar o meu trabalho”.
“Clara Bow” entra no panteão das grandes faixas finais de um álbum de Swift. O título se refere à estrela do cinema mudo da dez de 1920 que ardia rápido e refulgente – uma das primeiras “It girl” e símbolo sexual de Hollywood sujeito a fofocas mordazes, vítima da misoginia fácil e cotidiana amplificada pelas celebridades. Depois que o poderoso sotaque de Bow no Brooklyn foi ouvido nos filmes falados, houve rumores de que sua curso havia completo.
Um vislumbre da vida de Clara Bow em fotos
Em vida, Bow mais tarde tentou o suicídio e foi enviado para um asilo – a mesma instituição que aparece em “Who’s Afraid of Little Old Me?” “Clara Bow” funciona uma vez que uma parábola e um narrativa de mensagem para Swift, da mesma forma Stevie Nicks’ “Mabel Normand” – outra trágica estrela do cinema mudo – funcionou para a estrela do Fleetwood Mac.
Nicks também aparece em “Clara Bow”: “Você se parece com Stevie Nicks em 75 / O cabelo e os lábios / A povo enlouquece”.
Mais tarde, Swift vira a câmera para dentro e a música termina com ela cantando: “Você se parece com Taylor Swift sob esta luz / Estamos adorando / Você tem vantagem / Ela nunca teve.” O álbum termina aí, no que poderia ser lido uma vez que autodepreciação, mas dói mais uma vez que uma autoconsciência frustrante.
Swift canta sobre um poeta torturado, mas ela também é um. E não é ótimo que ela tenha se permitido a licença criativa?